MDM: Depuis quand travaillez vous et quel a été votre parcours, votre
formation?

Chrstine Cloos: J’ai quelque part toujours peint, je ne me souviens pas d’un moment où je me serais mise à peindre, je dis peindre plutôt que dessiner car c’est essentiellement la couleur et la matière qui m’ont tout de suite attirée. Adolescente, je passais tous mes moments libres à peindre «sur le sujet ». Mon père (et conseiller) me disait que le meilleur moyen d’apprendre, c’était de peindre ce que je voyais. Alors, l’été, je plantais mon chevalet dans les champs de Beauce entourant notre maison de campagne et l’hiver, à Paris, je faisais les portraits de mon entourage et de natures mortes.
 A l’époque, nous habitions une maison de famille à Boulogne-Billancourt divisée en appartements et en ateliers d’artistes, surtout des sculpteurs, c’était dans les années 70, et tout ce que comptait de grands noms  la sculpture et l’architecture contemporaine défilait chez nous ( Lipsi, Poncet, Di Teana, Claude Parent, Mannoni, Dupertuis…) Il y avait même une forge et l’odeur du fer chaud à bercer mon enfance (je  retrouverai tout cela beaucoup plus tard)

Ensuite, tout naturellement , j’ai voulu apprendre un métier en rapport avec la peinture et je suis rentrée dans un atelier de restauration de tableaux et peintures murales, tout en prenant des cours du soir de modelage à l’école du Montparnasse, avec Serge Block. Très vite, je me suis aperçue que je m’étais complètement fourvoyée  dans ce métier de restaurateur, car voulant peindre moi-même, il était très frustrant de restaurer les tableaux des autres, et de toutes façons, cela ne laissait aucune place à la créativité.  En quittant cet atelier de restauration, vers 22 ans,  et grâce à certaines rencontres , je me suis orientée très vite vers la peinture décorative  dans des théâtres, châteaux, hôtels particuliers, ce qui me permettait de vivre et me laissait du temps pour peindre et préparer des expositions. A l’époque, je n’osais pas encore franchir le pas et vivre de ma peinture. Ce n’est que petit à petit que j’ai éliminé ces travaux décoratifs, peut-être parce que j’avais acquis  une certaine maturité et que je  prenais plus  au sérieux  mon propre travail.

MDM: Avez vous toujours travaillé le métal de cette manière, dans cette
approche là (de façon encadré assez imposante)?
Travailliez vous avant  le métal en ronde bosse?
Pourquoi le métal?

Christine Cloos: J’ai peint  pendant des années sur panneaux de bois. Ce fut d’abord une peinture «  lisse »,  en glacis, (peut-être la déformation de ces années de restauration de tableaux anciens) , ensuite j’ai introduit de la matière par l’intermédiaire d’enduits appliqués sur le bois, puis j’ai riveté des feuilles de métal toujours sur les panneaux en bois, puis tout naturellement, j’ai enlevé le bois pour ne garder que le métal.
Peut-être aussi était-ce mes souvenirs d’enfance qui se libéraient soudainement, les odeurs de fer chaud de la forge familiale, de l’atelier de mon père, de mon grand-père qui avaient breveté des attelages en fer de train , les sculptures en fer de nos locataires qui envahissaient la cour de notre maison.. enfin peut-être que tout cela m’est revenu avec acuité le jour où moi-même j’ai pu m’installer (en 1991) dans ce grand atelier, en Normandie , qui est toujours le mien aujourd’hui.
C’était comme une évidence longtemps occultée, le métal était le matériau qui me convenait: je pouvais le travailler comme un tableau, appliquer des glacis à l’huile, des feuilles d’or, la surface était lisse, plate,  mais de par les découpes et les superpositions que je faisais, il possédait ce qui m’avait toujours manqué dans une peinture sur bois ou toile, le relief, la matière. 
En vivant à la campagne, il m’était facile d’aller chercher de la ferraille chez les ferrailleurs, dans des décharges etc. Car, au début, c’était vraiment les matériaux de récupération qui m’intéressaient : j’aimais être tributaire d’une forme déjà existante, d’une déformation, d’une couleur etc… Mais assez rapidement, j’ai eu envie de «faire plier » le fer à ma vision initiale et je ne pouvais donc plus être à la merci de formes ramassées par hasard, rouillées, (le travail sur la rouille ne m’a jamais intéressé, c’était plutôt un gros handicap).
Et puis ma recherche allait de plus en plus vers un certain dépouillement des formes et il n’était plus question de fer bosselés, troués.

J’ai donc acheté des tôles neuves et je m’y suis toujours tenue depuis.

MDM:Quelles sont les influences majeures dans votre travail, on sent la nature
bien évidemment mais y en a t il d’autres?

Christine Cloos: Bien sûr, la nature, les éléments font partie intégrante de mon travail que ce soit avec les « bas-reliefs » en fer ou les collages sur toile. Je pense que c’est en m’installant à la campagne que j’ai pu enfin exprimer mon moi profond. La ville, la vie citadine était très éloignée de moi. Au contact de la nature, j’ai retrouvé les sensations que j’éprouvais adolescente, lorsque je plantais mon chevalet dans les champs de Beauce. J’ai besoin de ce contact physique, toucher la terre, les écorces d’arbres, sentir la pluie, le vent, les odeurs de terre mouillée.
Nous, les êtres humains, nous sommes fait de cette matière en perpétuel mouvement et pourtant stable dans sa densité.
J’ai besoin de le sentir tous les jours.

J’ai commencé à aborder le thème de “l’EAU” par la sculpture : rendre fluide un matériau rigide. Les pluies continuelles normandes et les étendues d’eaux qui s’en suivent, la mer proche ont donné lieu à toute une série « EAUX VERTICALES ET HORIZONTALES » qui s’est terminée par une série sur les «  CASCADES ». J’ai toujours eu une fascination  pour les estampes japonaises, la représentation de la pluie, notamment, et petit à petit, ma représentation de ces Eaux est allée vers un certain dépouillement, des parties de plus en plus évidées, suggérées qui ont certainement un lien direct avec la contemplation de ces estampes.

J’ai continué le travail des éléments par le “FEU”, “les fumées”, puis “l’AIR” pour arriver actuellement à la “TERRE”, au travers de mes bas-reliefs “ARBRES”, arbres qui puisent leur énergie dans cette terre nourricière, arbres abattus et qui retournent à la terre ainsi que par de grandes toiles-collages, mes premières amours mes «Champs de Beauce », champs labourés, griffés, terre retournée, limitée (par les barbelés), contenue et débordante, infinie.

Les deux techniques approchées tournent toujours autour de cette recherche sur la matière. Le fer me permet « de lancer» une ligne, dans une gestuelle proche parfois de la calligraphie et de la figer à l’aide de ce matériau fluide à la chauffe et  qui se durcit dés la flamme du chalumeau éteinte. Figer le mouvement, c’était me rapprocher aussi des ces formes de branches souvent « figées » dans un élan, un dernier sursaut vers la lumière. Toute une puissance contenue, immobile.

Par les collages de différents papiers, les glacis à l’huile qui rehaussent, je retrouve cette peinture longtemps pratiquée mais cette fois avec une dimension « sculpturale » : ce n’est plus un trompe-l’œil plat fait de couleur et de forme, c’est réellement une « matière » en relief, avec des bosses, des creux, un touché plein d’aspérité.

MDM: Vos collages, quel investissement représentent-t-ils par rapport aux bas
reliefs?

Christine Cloos:   De  plus en plus grand !  Mais j’ai absolument besoin des deux….ils sont complémentaires même si je m’immerge pendant de longues périodes dans l’un des deux. Par contre, ils peuvent être complètement dissociés pour la représentation.

MDM:Quels sont vos projets d’avenir?

Christine Cloos: Explorer  aussi longuement que je l’ai fait pour « l’EAU », les « ARBRES ».   J’ai l’impression d’être devant un puit sans fond Cela va de la moindre brindille balayée devant ma porte aux formes puissantes des vieux arbres centenaires, cela va de l’exploration intense chaque jour renouvelé de mon jardin aux   paysages   rencontrés   au   gré des voyages. Tout est gestuel, tout est trait, tout est énergie. Je n’ai qu’effleuré pour l’instant  le sujet.